Rage - 21 (2012)

É fato que o Rage não lança algo que faça jus ao nome que conseguiu no meio metálico há um certo tempo. Mas a esperança é a última que morre, e mesmo depois do fraquíssimo Strings To A Web (2010), cá estamos nós aqui de novo ouvindo mais um novo trabalho do grupo. 21 é o vigésimo-primeiro álbum do trio (obviamente), e novamente chega ao público cercado de muitas expectativas (tanto boas quanto ruins).

Após a curta intro "House Wins", nos deparamos com a faixa-título, que consegue surpreender positivamente com seu andamento speed-metal, e se torna ao longo de seus mais de cinco minutos uma boa canção, apesar do solo de guitarra decepcionante de Victor Smolski. Infelizmente, temos a seguir a não mais que mediana "Forever Dead", que mesmo com algumas boas passagens instrumentais e os vocais característicos de Peter Wagner corretos como sempre, acaba soando um tanto enfadonha, ainda mais contando com um riff 'modernoso' que acabou caindo muito mal a faixa. Mas apesar dessa caída rápida de produção, continuemos a audição normalmente.

Por sorte, as boas "Feel The Pain" e "Serial Killer" aparecem para botar o track-list de volta aos eixos rapidamente, sendo que a última inclusive apresenta linhas vocais que beiram o gutural como diferencial positivo. De resto, vale destacar em meio ao repertório a quase thrash metal "Concrete Wall", que agrada justamente por ser mais simples e direta, e também as ótimas "Destiny" e "Black And White", que são nada mais nada menos do que a banda fazendo aquilo que sempre fez durante boa parte de sua longa carreira com muita competência.

O que acaba prejudicando o saldo final são algumas outras músicas que assim como a já citada "Forever Dead", não empolgam. "Death Romantic" tem seus momentos de inspiração, mas passa longe de ser algo que chame muito a atenção, e "Psycho Killer" poderia ser uma das melhores faixas do play se não passasse dos desnecessários sete minutos de duração (uns 4 já seria de bom tamanho pra ela). Isso para não falar da fraquíssima faixa de encerramento "Eternally", uma semi-balada totalmente dispensável.

Para quem esperava algo do mesmo nível dos mais recentes, 21 será de certa forma uma boa surpresa, pois apesar de alguns deslizes que já viraram quase rotina, apresenta uma boa qualidade mais elevada que os seus antecessores. Está longe de ser um clássico do grupo, mas deve agradar a maioria dos fãs.

NOTA: 7

Matheus Henrique

Bruce Springsteen - Wrecking Ball (2012)

O que ainda há para ser falado sobre Bruce Springsteen que já não foi dito por milhares de fãs/críticos ao longo dos anos? Dono de uma das discografias mais respeitáveis da música pop, com obras do quilate de Born To Run (1975), Darkness On The Edge Of Town (1978) e Nebraska (1982), o chefão reaparece na cena logo agora no início de 2012 com seu mais novo lançamento, Wrecking Ball. E para quem duvidava (ou seja, qualquer ser desprovido de bom gosto musical) que ele poderia continuar relevante mesmo com uma extensa carreira nas costas, esse disco é a prova definitiva do contrário.

É impressionante a maneira que Bruce consegue, em suas letras, retratar a situação atual do povo norte-americano como ninguém. E ao mesmo tempo, suas canções continuam poderosas e dotadas de inspiração e sinceridade, conseguindo seduzir o ouvinte, seja ele qual for, de um modo arrebatador. O primeiro single do registro, e também faixa de abertura do mesmo, a ótima "We Take Care Of Our Own", já dá pistas de tudo que foi citado anteriormente, e nos prepara para tudo que virá a seguir no repertório do play.

Não há como não se emocionar, nem que seja bem pouco mesmo (risos), com a maravilhosa "Jack Of All Trades", que ganha fácil o posto de destaque principal do track-list, ou mesmo ficar indiferente a pérolas como as boas "Easy Money", "You've Got It" e "We Are Alive", além da cativantes "Death To My Hometown" e "Shackled And Drawn", e a longa "Land Of Hope And Dreams".

Certos artistas parecem nunca envelhecerem, musicalmente falando, com suas canções (sejam elas novas ou antigas) soando eternamente atemporais. E Bruce Springsteen é a personificação exata disso tudo. E quem sai ganhando com isso somos nós, os fãs, que somos presenteados com mais um de seus atestados de genialidade. Wrecking Ball talvez não esteja no nível dos clássicos, é verdade, mas já é um dos melhores disco do ano com sobras. E nem ouse duvidar disso...

NOTA: 9

Matheus Henrique

Vivendo Do Ócio - O Pensamento É Um Imã (2012)

Há certas bandas dentro do meio 'roqueiro', mais especificamente o nacional, que por mais que tenham suas qualidades, pecam pela falta de originalidade e também pela pouca maturidade nas letras (afinal, falar de temas adolescentes, salvo exceções, têm o seu prazo de validade). E esse é justamente o caso dos baianos do Vivendo Do Ócio, que chegam ao seu segundo álbum de estúdio, O Pensamento É Um Imã, buscando fugir dos clichês citados no início do texto, ainda que de uma maneira bastante tímida.

As influências são quase as mesmas do debut, com músicas calcadas entre o punk rock clássico e o indie rock da última década. Mas algumas faixas conseguem se diferenciar, mostrando novas e interessantes direções para as canções do quarteto. "Dois Rios" é a música que Marcelo Camelo teria composto se tivesse tentando fazer algo na linha de "Balada Do Amor Inabalável", do Skank (ouça e comprove), e "O Mais Clichê" aposta no regionalismo para convencer o ouvinte, e de certa forma consegue. Infelizmente, o mesmo não se pode dizer da fraca balada "Nostalgia", com a participação do Agridoce (Pitty e Martin) e que soa um tanto forçada.

Entre os rocks, vale citar as boas "O Mundo É Um Parque", com um riff que remete ao Arctic Monkeys de Favourite Worst Nightmare, e "Por Um Punhado De Reais", com sua letra inspirada no filme "Per Un Pugno Di Dollari" (1964), além das regulares "Radioatividade", com sua sonoridade beirando o pop rock, e "Eu Gastei", faixa com duração menor do que dois minutos que encerra o play, que se não são músicas espetaculares, também não comprometem de forma significativa o resultado final.

De resto, o que se têm por aqui são canções pouco inspiradas, onde predomina aquela imaturidade chata que já prejudicava o primeiro álbum (Nem Sempre Tão Normal, de 2009). As fracas "Bomba Relógio" e "Silas", apesar de algumas boas ideias aqui e ali, são extremamente pueris e dispensáveis, do tipo que só devem agradar aos mais neófitos entre os roqueiros. Isso sem falar nas ridículas "Tudo Que Eu Quero" e "Preciso Me Recuperar", que são risíveis de tão manjadas (até os nomes são péssimos). É também nessas que se evidenciam outro grande problema do grupo: os vocais 'meia-boca' do também guitarrista Jajá Cardoso.

O Vivendo Do Ócio é o tipo de banda honesta e com boas intenções. Mas isso no final das contas não vale porcaria nenhuma se as composições não sustentam a imagem do grupo. O Pensamento É Um Imã tem seus bons momentos, claro, mas ainda falta muito para os baianos. Amadurecer é preciso. Não custa nada esperar um pouco também, afinal esse é apenas o segundo álbum de estúdio do grupo, e eles ainda podem melhorar. Mas é bom que eles não demorem, ou do contrário acabarão logo esquecidos como muitos outros.

NOTA: 4,5

Matheus Henrique

Orange Goblin - A Eulogy For The Damned (2012)

Depois de cinco do anos do lançamento do bom Healing Through Fire (2007), o Orange Goblin retorna aos holofotes com seu mais novo álbum chegando as lojas do mundo todo, o há muito aguardado A Eulogy For The Damned. Praticando praticamente o mesmo stoner rock dos discos anteriores, além de influencias latentes do metal tradicional e até mesmo de hard rock em alguns momentos, a banda acerta a mão mais uma vez e mostra que está em um ótimo momento na carreia.

Tecnicamente, todos conseguem convencer perfeitamente, com a cozinha fornada por Martyn Millard (baixo) e Christopher Turner (bateria) se apresentando coesa, dando a sustentação para perfeita para as guitarras de Joe Hoare. Além, é claro, dos já característicos (ao menos para quem já é familiarizado com o grupo) vocais de Ben Ward, que continuam muito bons.

Faixas como "Death Of Aquarius", "Bishop's Wolf" e o single "Red Tide Rising" são da mais alta qualidade, e mostram o poder de fogo do quarteto no seu limite. Também vale citar como destaque as cadenciadas "Acid Trail" e "Stand For Something", que contém os melhores riffs do trabalho, a pegajosa (e ótima) "Save Me From Myself", e a boa "The Filthy And The Few", que com sua estrutura altamente derivada do punk rock, consegue se diferenciar positivamente das demais.

Mas os pontos mais altos do track-list são mesmo as poderosas "The Fog" e "A Eulogy From The Damned", que unem heavy metal, stoner e rock progressivo na medida certa, e transmitem o ouvinte direto para meados da década de 70. Por fim, há também a curta "Return To Mars", que ao contrário das anteriores, que primam pela elevada duração como atrativo (6:46 e 7:17, respectivamente), não precisa de mais de dois minutos para deixar (muito bem) o seu recado.

Em seu sétimo álbum de estúdio, o Orange Goblin não dá margens para decepções, trazendo boas canções em profusão e mostrando estar pronto para crescer ainda mais na carreira. Quem ainda não ouviu esse disco, que periga ser o melhor da discografia dos ingleses, definitivamente não sabe o que está perdendo.

NOTA: 8,5

Matheus Henrique

El Caco - Hatred, Love & Diagrams (2012)

Lançado no início do ano pela gravadora Indie Recordings, Hatred, Love & Diagrams é o sexto trabalho de estúdio dos noruegueses do El Caco. A diferença básica desse para os registros anteriores é que agora o grupo começa a ultrapassar os limites de seu país de origem, buscando atingir outros mercados ao redor do mundo com sua música. E a julgar pelo material presente nesse disco, eles não devem demorar muito para alcançarem seus objetivos.

Com guitarras hipnotizantes e poderosas tomando a linha de frente em vários momentos, além de uma combinação perfeita entre o baixo e a bateria em todas as canções, temos um álbum da mais alta qualidade, amparado por um repertório coeso e sem pontos fracos, e além de tudo bem produzido, pois todos os elementos sonoros são aplicados na medida certa, sem exageros que poderiam comprometer o resultado final.

O trio mostra mais uma vez ser uma banda difícil de rotular, com influências que vão desde o hard rock setentista, passando por pós-punk, stoner, prog, e até mesmo o rock alternativo. Semelhanças com nomes como o Tool e o Mastodon podem ser citadas facilmente, mas ao mesmo tempo conseguimos encontrar uma identidade própria dentro do track-list, o que os isenta de qualquer tipo de citações pejorativas.

Escolher destaques entre as dez músicas do disco é algo difícil, pois todas tem suas qualidades próprias e devem ser apreciadas individualmente. Mas não há como ficar imune a abertura sensacional com "After I'm Gone", o ótimo primeiro single "Hatred", que tem tudo para conquistar novos fãs para o grupo, e faixas viajantes e ao mesmo tempo grudentas como "Equivalence", "Confessions" e "She Said", em especial a última, que contém o melhor refrão entre todas as outras.

O El Caco mostra um talento incomum em Hatred, Love & Diagrams, e logo isso deve começar a ser reconhecido pela maioria. Se você ainda não tomou conhecimento dessa ótima banda escandinava, e por consequência desse grande álbum, é melhor corrigir isso logo. Candidato a melhor disco de 2012 facilmente (isso para dizer o mínimo).

NOTA: 9,5

Matheus Henrique

Ape Machine - War To Head (2012)

É complicado dizer logo agora, ainda no começo de 2012, que certo disco já pode ser considerado um dos melhores do ano dentro do mercado musical. Mas ás vezes o trabalho é tão diferenciado, que vale a pena arriscar fazer essa afirmação, por mais errado que isso possa parecer. E esse é justamente o caso do segundo disco do Ape Machine, o fantástico War To Head.

Pra começar, as influências da sonoridade aqui presente são evidentes, e em certos casos até mesmo obvias como o Blue Öyster Cult, o Deep Purple (tanto que o grupo fez uma versão de “Black Night” para o registro), e principalmente o Black Sabbath. Mas se você pensa que isso torna a banda um mero pastiche de qualquer um dos grupos citados, esqueça. O repertório é da mais alta qualidade, e consegue ter uma força própria que vem se tornando cada vez mais rara nos dias de hoje dentro do hard rock.

Qualquer amante de boa música irá se deliciar com pérolas como a faixa de abertura “Hold Your Tongue", a viajante "Can’t Cure Deceit”, onde o vocalista Caleb Heinze chega a lembrar Ozzy Osbourne em certas passagens, e as não menos que ótimas “Death Of The Captain” e “What’s Up Stanley?”. Isso para não falar da espetacular “The Sun”, a melhor do track-list facilmente.

Não é difícil constatar que o Ape Machine já pode ser considerado como um dos maiores nomes do estilo ao redor do mundo, apesar de estarem mais restritos ao underground por enquanto. Mas não será nenhuma surpresa se esse panorama logo mudar. Se você é fã do (bom) rock setentista, esse álbum é totalmente recomendado.

NOTA: 9,5

Matheus Henrique

Van Halen - A Different Kind Of Truth (2012)

Poucos álbuns foram tão aguardados nos últimos tempos quanto o mais novo lançamento do Van Halen, o primeiro com o vocalista David Lee Roth desde o clássico 1984. E depois de apenas uma simples audição de A Different Kind Of Truth, fica fácil afirmar o que já era esperado (ao menos para quem sabe do poder de fogo do grupo quando se trata de hard rock da melhor qualidade): Um dos grandes registros do ano.

É impressionante como toda a banda está afiadíssima em suas respectivas funções. Falar dos irmãos Eddie (guitarrista) e Alex Van Halen (baterista) é chover no molhado, já que se tratam de duas lendas dos instrumentos em questão. O velho Roth retorna em grande estilo ao microfone, mostrando que a idade avançada felizmente não afetou a sua voz de maneira significativa. E o novato da vez, o baixista Wolfgang Van Halen (filho do guitarrista), não nos deixa em nenhum momento sentir falta de Michael Anthony, agora no Chickenfoot.

O primeiro single do trabalho, e também faixa de abertura do mesmo, a hard-pop "Tattoo", chegou a decepcionar alguns dos fãs mais devotos do quarteto, e de fato não se trata de uma composição que mereça maiores atenções, já que é apenas mediana. Mas não se preocupe quanto ao resto do track-list, pois o que se encontra por aqui é o velho hard rock festeiro e bem feito sempre praticado pela banda.

Destacar algo do repertório é uma tarefa complicada, mas ao mesmo tempo é impossível não citar a fantástica 'She's The Woman", com sua base datada de uma demo perdida de 1976 e que apresenta um suingue de causar inveja a qualquer um, além das roqueiras "Bullethead" e "Outta Space", as pegajosas "You And Your Blues" e "Big River", e as rápidas e cativantes "China Town e "As Is", sendo que em todas o destaque é obviamente o mestre Eddie Van Halen, com riffs e solos que comprovam mais uma vez o porquê desse ser um dos grandes nomes da guitarra de todos os tempos.

A Different Kind Of Truth deveria servir de exemplo para outros grupos veteranos do estilo, pois mostra como qualquer um deve envelhecer da maneira mais digna possível: Praticando praticamente o mesmo som dos tempos áureos, mas sem soar datado ou até mesmo preguiçoso. O Van Halen definitivamente está de volta, e mais poderoso do que nunca.

NOTA: 9

Matheus Henrique

Lamb Of God - Resolution (2012)

Entre todas as bandas da chamada New Wave Of American Heavy Metal (NWOAHM), que tomou forma no mercado musical na década passada, o Lamb Of God sempre foi o nome de maior destaque. Discos como As The Palaces Burn (2003), Ashes Of The Wake (2004) e Sacrament (2006) obtiveram uma ótima aceitação tanto do público quanto da crítica, e catapultaram o grupo rumo a linha de frente de toda uma nova geração (exageros a parte).

Mas eis que eles começaram 2012 com a árdua missão de se manterem entre os grandes, após vários lançamentos acima da média que assolaram a cena em 2011. Será que Randy Blythe e companhia ainda  poderiam mais uma vez surpreender a todos e registrar algo a altura de seus milhares de concorrentes (se é que podemos chamá-los assim)? Resolution prova que a resposta para essa pergunta só pode ser positiva.

O que encontramos por aqui é um repertório poderoso, onde passagens de brilhantismo pipocam o tempo todo entre as canções. A sonoridade remete a gêneros consagrados como o thrash e o groove metal, como sempre se espera do grupo, mas passa longe de algo datado ou que tenta desesperadamente pertencer ao passado, e individualmente não há destaque individuais. Todos brilham na mesma medida em suas respectivas funções.

Músicas como "Ghost Walking", "Guilty" e "The Number Six" agradam logo na primeira audição, não deixando dúvidas quanto a qualidade diferencial da banda dentro da música pesada moderna. Também vale citar entre as melhores do play a pesadíssima "The Undertow", a grooveada e espetacular "To The End" (sem dúvidas a melhor de todas do track-list), a veloz "Cheated", com uma influência um tanto inesperada, porém decisiva, de hardcore, e as dobradinhas matadoras "Straight For The Sun/Desolation" e "Barbarosa/Invictus".

O fato do álbum ter atingido o terceiro lugar no Top 100 da Bilboard, algo ótimo para um grupo de metal ou qualquer coisa parecida atualmente, mostra que o Lamb Of God ainda atravessa ótimo momento, e que só podemos esperar trabalhos do mesmo nível ou até melhor no futuro. É bom continuarmos de olho neles...

NOTA: 9

Matheus Henrique

Trivium - In Waves (2011)

O Trivium há anos vem se consolidando como uma das bandas mais importantes do metal moderno, ao lado de outros nomes de peso como o Lamb Of God e o Mastodon. E depois de botar no mercado no fim da década passada os ótimos The Crusade (2006) e Shogun (2008), eis que eles voltaram com tudo em 2011 com o lançamento do há muito aguardado In Waves.

Praticando uma sonoridade fortemente influenciada por bandas clássicas como Iron Maiden, Testament e principalmente o Metallica junto ao tradicional (e quase sempre mal-visto) metalcore norte-americano, o quarteto liderado pelo guitarrista/vocalista Matt Heafy se mostra em ótima fase em todos os aspectos, e conta agora também com o acréscimo do baterista Nick Augusto, que substitui (muito bem, por sinal) o membro fundador Travis Smith, que abandonou o barco ainda em 2010.

Temos aqui um repertório acima da média, onde não é difícil encontrar vários momentos em que podemos constatar que se trata de uma banda diferenciada dentro da cena atual. Os primeiros singles do registro, as pesadíssimas "In Waves" e "Built To Fall", essa última com um certo toque mais comercial que felizmente é positivo, mostram isso perfeitamente, e não deixam dúvidas quanto a tudo que foi dito anteriormente, além de explicitar as referências já citadas.

Mas não há como deixar de destacar outras boas canções como as diretas e repletas de peso "Inception of The End" e "Dusk Dismantled", a desconcertante "Caustic Are The Ties That Blind", que altera passagens mais agressivas com outras bastante melódicas da maneira mais sublime possível, e as espetaculares "Watch The World Burn" e "Black", que desde já figuram entre as melhores músicas da carreira do grupo.

Para quem ainda não consegue enxergar o valor de várias novas (e ótimas) bandas atuais dentro do heavy metal atual, esse disco é mais uma prova de que esse saudosismo não passa de uma grande besteira. O Trivum dá continuidade aos seus trabalhos anteriores sem demonstrar sinais de cansaço ou estagnação em seu som, lançando mais um grande álbum. Que continuem assim por muito tempo.

NOTA: 9

Matheus Henrique

Graveyard - Hisingen Blues (2011)

O Graveyard é uma das melhores bandas de hard rock surgida nos últimos anos. E se os suecos já haviam impressionado a muitos com o debut auto-intitulado lançado em 2009, em Hisingen Blues eles se mostram ainda mais inspirados e prontos para conquistar ainda mais a adoração não só dos fãs mais tradicionais do estilo, mas de qualquer um que aprecie boa música independente de rótulos (e pré-conceitos).

As influências continuam as mesmas do álbum anterior, com uma sonoridade que remete diretamente a nomes como Led Zeppelin, Black Sabbath, e também o Free (o vocalista chega a lembrar o grande Paul Rodgers em vários momentos), além de retoques bem-vindos de blues e psicodelia. Mas se engana quem pensa que tudo aqui presente se trata de algum pastiche mal feito de algo que já foi feito antigamente. O repertório é extremamente coeso, e não há uma única canção que soa deslocada ou abaixo da média.

Desde a abertura com a poderosa "Ain't Fit To Live Here", até o encerramento com a não menos espetacular "The Siren" (sem exageros, uma das melhores músicas de 2011), a sensação que temos é que estamos de frente a um potencial gigante do estilo, tamanha a qualidade elevada do track-list. Para reforçar esse pensamento, basta ver a atuação individual de cada membro em sua respectiva função, em especial do habilidoso baterista Axel Sjöberg.

Também vale citar a viajante faixa-título, que transporta o ouvinte direto ao começo dos anos 70 em sua atmosfera cativante, a deliciosa mezzo-balada "Uncorfortably Numb", e as ótimas "No Good, Mr. Holden" e "Buying Truth (Tack & Förlat)", que são os principais destaques do registro, e praticamente resumem em seus poucos minutos toda a proposta da banda em sua essência.

Em uma época onde vários grupos parecem estar dando um sopro de renovação ao gênero, ainda que por meio de referências óbvias, como o ótimo Rival Sons, não é exagero dizer que o Graveyard é um dos maiores (senão o maior) expoentes dessa evolução, e Hisingen Blues um dos principais registros em disco disso. Indispensável.

NOTA: 8,5

Matheus Henrique

Chickenfoot - Chickenfoot III (2011)

Depois de uma boa, porém irregular, estreia auto-intitulada em 2009, o Chickenfoot finalmente mostra a que veio em Chickenfoot III (segundo álbum da banda, para os mais desavisados que podem se estranhar com o bem-humorado título) . O supergrupo formado por Sammy Hagar (vocais), Joe Satriani (guitarra), Michael Anthony (baixo) e Chad Smith (bateria) pratica por aqui um hard rock coeso e bem feito, apresentando composições inspiradas e que devem agradar em cheio aos fãs do estilo.

A energética "Last Temptation" já dá uma boa impressão logo de cara, e a festeira "Alright, Alright" vêm a seguir para aumentar ainda mais o nível do track-list, que até aqui só está na segunda música. Não há como não destacar os vocais de Hagar, que se mostra ainda em ótima fase apesar da idade, e o desempenho diferenciado de todos os outros componentes do grupo, que por mais que não precisem mais provar nada pra ninguém em questão de talento, ainda conseguem surpreender positivamente em todas as canções do play.

"Different Devil" e "Come Closer" são ambas quase baladas, em especial essa última, mas não soam apelativas ou melosas, e a qualidade felizmente permanece intacta. Por outro lado, as ótimas "Up Next" e "Big Foot" (primeiro single do registro) são repletas de suingue e passagens cativantes, e farão a alegria dos mais conservadores. O mesmo vale para a inspirada "Lighten Up" e a boa "Dubai Blues", que apesar do nome, mantém quase as mesmas características das anteriormente citadas.

Por fim, temos como as mais diferentes do disco a pesada "Three And A Half Letters", que soa um pouco estranha de primeira por apresentar alguns vocais quase falados de Sammy, mas que não demora para grudar na cabeça do ouvinte (o refrão é um dos melhores por aqui nesse quesito), e a semi-acústica faixa de encerramento "Something Going Wrong", com um violão muito bem encaixado em sua estrutura.

Deliciosamente descompromissado e roqueiro, Chickenfoot III é um dos melhores lançamentos de 2011, e a banda agora parece estar consolidando sua sonoridade, o que é bom para todos os envolvidos. As expectativas eram grande como 2009, e eles com certeza não decepcionaram ninguém dessa vez. Mas com uma formação fantástica dessas, fica difícil esperar qualquer outra coisa, não é mesmo? Discaço!

NOTA: 9

Matheus Henrique

Beady Eye - Different Gear, Still Speeding (2011)

Depois do conturbado fim do Oasis em 2009, Liam Gallagher resolveu montar, junto com o que sobrou da banda (todos com exceção do guitarrista e seu irmão Noel Gallagher, por motivos mais do que óbvios), o Beady Eye, que em 2011 finalmente fez a sua estréia em disco com Different Gear, Still Speeding. E o resultado é deveras agradável.

Com um repertório calcado numa sonoridade explicitamente derivada de clássicos grupos ingleses dos anos 60, a banda não soa exatamente original, como se pode perceber logo na primeira escutada, mas consegue ainda assim reunir um punhado de boas canções em meio ao track-list,  seja quando tentam imitar os Beatles (“For Anyone”, “Three Ring Circus”), os Stones (“Millionare”, “The Roller”), o Who (“Standing On The Edge Of Noise”) ou até mesmo os Kinks (“The Beat Goes On”).

Também vale citar a poderosa faixa de abertura “Four Letter Word”, que apresenta um peso um tanto surpreendente em seu andamento, a despretensiosa “Bring The Light”, mais uma que parece ter saído direto da dupla Jagger/Richards, e as belíssimas baladas “Kill For A Dream” (a melhor de todas por aqui) e “The Morning Son”, duas que figuram com sobras como alguns dos principais destaques do play.

Muitos dirão que se trata de uma tentativa forçada de soar como qualquer uma das principais influências do grupo, e realmente nada do que está aqui presente será responsável por mudar os rumos do rock n’ roll daqui pra frente como esperam vários críticos por aí. Mas o que não falta em Different Gear, Still Speeding é, sem dúvidas, boa qualidade musical, algo que muitos grupinhos idolatrados por aí andam devendo há muito tempo. Ponto para Liam e sua turma, e que repitam o êxito em um próximo álbum.

NOTA: 8

Matheus Henrique

Machine Head - Unto The Locust (2011)

O Machine Head já havia se recuperado de suas tropeçadas do começo da década passada, quando chegaram a flertar sem sucesso com gêneros como o famigerado nu-metal, com os ótimos Through The Ashes Of Empires (2004) e The Blackening (2007), que mostraram uma banda renovada e com muita lenha para queimar. Com isso, as expectativas em torno do lançamento de mais um novo trabalho foram as melhores entre os fãs. E Unto The Locust, lançado em 2011 após longos quatro anos de espera, passou longe de corresponder às mesmas. Fez melhor que isso.

O que se vê por aqui é simplesmente o melhor disco de toda a carreira da banda, unindo de maneira perfeita peso, complexidade e até mesmo melodias marcantes vindo das poderosas guitarras de Robb Flynn (líder e principal compositor do grupo) e Phil Demmel. Isso sem falar da fantástica cozinha formada pelo baixista Adam Duce e pelo baterista Dave McClain. Não há duvidas de que se trata de um álbum realmente espetacular, e que não encontra prescedentes no metal atual.

A abertura com a poderosa "I Am Hell (Sonata In C#)", dividida em três partes, comprova isso. Com mais de oito minutos de duração, alterna entre momentos mais cadenciados e outros que apresentam uma velocidade avassaladora, além da agressividade característica. Na sequência, "Be Still And Know" apresenta um riff e uma estrutura mais melódica, com uma certa influência de metal tradicional junto ao thrash metal moderno praticado pelo grupo, e é com certeza um dos principais destaques do repertório, junto à terceira faixa, e também primeiro single do registro, "Locust", repleta de peso e criatividade.

"This Is The End" começa lenta, com sua introdução acústica, e logo explode em guitarras. Tudo bem que isso já é algo bem clichê dentro do heavy metal em geral há muito tempo, mas aqui esse recurso funciona muito bem do mesmo jeito. Vale citar também os vocais mais 'limpos' de Flynn no refrão, que só reforçam ainda mais a qualidade da faixa. Já "Darkness Whitin'" é um caso a parte. É a típica canção pesada, mas com grande potencial para emplacar nas rádios, com um refrão extremamente cativante, e que gruda na cabeça logo na primeira escutada. Perfeição é algo que passa a ser cogitado à essa altura...

Chegando ao final, a boa "Pearls Before The Swine" não deixa o ouvinte respirar em nenhum segundo, em meio à várias mudanças de andamento e guitarras de impressionar qualquer um. E o encerramento fica por conta da épica "Who We Are", que com seus mais de sete minutos fecha o disco da melhor maneira possível: deixando a sensação que ele deve ser escutado de novo, e várias vezes.

Aliás, algo também notável é o fato de que, por mais longas que todas as faixas aqui presentes sejam (a mais curta passa dos cinco minutos de duração), em nenhum momento elas soam cansativas ou monótonas, pelo contrário. Todas são perfeitamente coesas e sem partes feitas apenas para preencher espaço. Essas mesmas características são encontradas em álbuns clássicos do estilo como Master Of Puppets, do Metallica, e Rust In Peace, do Megadeth, ou seja, por aí já dá para se ter uma ideia da magnitude desse disco.

Por incrível que pareça, ainda há alguns fanáticos que teimam em admitir que existem ótimos trabalhos dentro do cenário metálico, tendo olhos apenas para os velhos dinossauros ou outros grupos enfadonhos que não trazem nada de novo ao estilo. Pobres coitados. Unto The Locust é disparado o grande álbum de 2011. Se você o ver num futuro próximo em listas de melhores da década, ou até mais que isso, não se surpreenda.

Nota: 10

Matheus Henrique

R.E.M. - Collapse Into Now (2011)

O R.E.M., um dos maiores nomes da história do rock alternativo, anunciou o encerramento de suas atividades em 2011, pegando seus fãs totalmente de surpresa depois de 30 anos de estrada. E mesmo que de maneira involuntária, Collapse Into Now serviu como a despedida em forma de disco do grupo. Lançado no início do ano, o álbum contém canções que passeiam por todos os terrenos que a banda já percorreu desde sua formação em 1980. E não faz feio.

A faixa de abertura "Discoverer" apresenta a lendária Patti Smith participando dos vocais, e poderia facilmente fazer parte de discos como Document e Green, tamanha sua qualidade. A mais roqueira "All The Best" e a semi-balada "Überlin" mantém o bom nível do registro, assim como a bela "Oh My Heart", que logo deve estar entre as favoritas dos mais fanáticos. Já "It Happened Today" têm o líder do Pearl Jam Eddie Vedder cantando ao lado de Michael Stipe, e é um dos principais destaques por aqui.

A quase messiânica "Every Day Is Yours To Win" é competente, mas acaba não acrescentando muita coisa, ao contrário da ótima "Mine Smells Like Honey", outra que remete á fase oitentista do grupo. "Walk It Back" segue mais ou menos a linha da já citada "Überlin", dessa vez com um teclado extremamente bem encaixado em seu arranjo (cortesia de Mike Mills), e "Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter" conta com o auxílio de Peaches no microfone, o que apenas reforça sua atmosfera cativante.

Chegando ao fim, a curta "That Someone Is You", com sua sonoridade que chega a lembrar clássicas bandas punks como Buzzcocks e Undertones, abre caminho para a delicada "Me, Marlon Brando, Marlon Brando And I", onde Peter Buck consegue seu melhor momento em meio ao repertório, e "Blue", mais comprida entre todas do play, beirando os seis minutos de duração, contendo nova participação de Patti Smith e o refrão de "Discoverer" repetido em seu final.

Collapse Into Now é um ótimo trabalho, e provavelmente o que de melhor o R.E.M. fez depois de New Adventures In Hi-Fi, de 1996. Eles sem dúvida terminaram suas carreiras, ao menos como uma banda, totalmente por cima e relevantes. Um belo presente de despedida aos fãs.

Nota: 8

Matheus Henrique

Sepultura - Kairos (2011)

Por mais que muitos continuem não aceitando o fato do Sepultura continuar sem a presença de seus dois membros fundadores (os irmãos Max e Iggor Cavalera), a banda inegavelmente vêm retomando a boa qualidade em seus trabalhos mais recentes. E se A-Lex, lançado em 2008, já demonstrava isso de maneira objetiva, Kairos serve como uma concretização dessa evolução nas composições.

Todos aqui demonstram suas maiores qualidades em seus instrumentos, com Andreas Kisser despejando riffs marcantes na guitarra, Derrick Green cada vez mais seguro nos vocais, e Paulo Jr. e Jean Dolabella (agora ex-baterista do grupo) extremamente competentes em suas respectivas funções. O repertório, por sua vez, é coeso e apresenta uma inspiração há muito não vista em se tratando da banda.

Não há como não citar como ponto positivo a trinca de abertura "Spectrum", "Kairos" e "Relentless", que basicamente resumem tudo que já foi dito no início do texto. A boa cover de "Just One Fix", do Ministry, também merece um destaque em meio às outras, enquanto as pesadíssimas "Dialog", "Mask", "Seethe" e "Born Strong" devem estar entre as favoritas dos fãs (ao menos dos que conseguem 'aceitar' essa formação).

Mas é no final do track-list que se encontra as melhores canções aqui presentes. "Embrace The Storm" apresenta o melhor trabalho de Andreas em todo o play, e "No One Will Stand" também convence com sua influência extremamente bem-vinda de hardcore. Como encerramento, temos a ótima "Structure Violence (Azzes)", que remete aos clássicos Chaos AD e Roots em sua estrutura, e contém a participação especial dos franceses do Les Tambours De Bronx nas percussões.

A maior banda brasileira de todos os tempos ainda se mostra relevante, e Kairos é sem dúvidas um dos melhores álbuns de metal lançados em 2011, que só não irá agradar aos que insistem em só ter olhos para o passado.

Nota: 8

Matheus Henrique

Coldplay - Mylo Xyloto (2011)

É fato que o Coldplay é uma das bandas que as pessoas hoje em dia mais amam odiar. E é claro que algumas posturas de seu vocalista Chris Martin beiram o ridículo, e a sonoridade do grupo ás vezes acaba sendo 'afetadinha' (ou 'coxinha', como preferem dizer) demais. Mas também é inegável que seus álbuns (com exceção do mediano X&Y, de 2005) sempre tiveram uma boa qualidade indiscutível. E o novo Mylo Xyloto, lançado em setembro desse ano, não foge disso citado acima.

Em meio a dificílima tarefa de dar sequência ao ótimo Viva La Vida Or Death And All His Friends, de 2008, vemos a banda, de certa forma, tentando explorar algumas novas sonoridades, o que já era algo visto em seu antecessor, mas que aqui atinge patamares um pouco maiores. Depois da curta faixa-título, que é apenas uma simples introdução, damos de cara com a boa "Hurts Like Heaven", que demonstra uma 'velocidade' (se é que dá pra dizer isso) um tanto incomum em comparação às antigas músicas do grupo. Em seguida, "Paradise" e "Charlie Brown" mantém o repertório em um nível elevado, o mesmo valendo para a balada "Us Against The World".

Após a pequena vinheta "M.M.I.X.", temos o primeiro single do disco, a electro-rock "Every Teardrop Is A Waterfall", onde a influência do U2 'fase The Joshua Tree' fica mais evidente do que nunca. Mas o resultado é positivo, com a melhor atuação de Jon Buckland (guitarrista) em todo o CD. Já a agradável "Mijor Minus" vai ainda mais fundo nas referências eletrônicas, enquanto "U.F.O." é uma das melhores baladas já feitas pela banda.

Na parte final do track-list, encontram-se a razoável "Up In Flames", outra bastante 'experimental' e as interessantes "Don't Let It Break Your Heart" (precedida pela vinheta "A Hopeful Transmission") e "Up With The Birds", que encerram o álbum de maneira digna. Como ponto fraco, vale citar a patética "Princess Of China", com a participação da (péssima) cantora pop Rihana e que infelizmente destoa de todas as outras faixas aqui presntes. Bem que podiam ter passado sem essa...

Mas tropeçadas a parte, Mylo Xyloto é um bom disco, é deve agradar os fãs sem maiores dificuldades. Chris Martin e companhia conseguiram se manter como uma das bandas mais relevantes dos últimos tempos, e qualquer tentativa de negar isso é pura birrinha de ouvinte preconceituoso. Ouça o álbum, e não se deixe levar por julgamentos pré-determinados.

Nota: 8

Matheus Henrique

Noel Gallagher - Noel Gallagher's High Flying Birds (2011)

Noel Gallagher sempre foi o gênio por trás do Oasis. E desde o fim da banda, motivado pelas intermináveis desavenças com seu irmão e vocalista Liam Gallagher, ainda não havia mostrado ao mundo o que ainda poderia fazer em termos musicais, agora dentro de sua carreira solo. Eis que no final de 2011, ele aparece com Noel Gallagher's High Flying Birds, sua estréia fora do antigo grupo, recheado de grandes expectativas. E elas, felizmente, foram atendidas.

O que se vê nesse disco são algumas das melhores composições de Noel em muito tempo, dotadas de arranjos caprichados que acrescetam ainda mais a qualidade impecável contida no repertório. Músicas como a faixa de abertura "Everybody's On The Run" e a belíssima "If I Had A Gun..." conquistam o ouvinte logo na primeira audição, e são hits em potencial. O primeiro single do registro, "The Death Of You And Me", também consegue um destaque a parte por aqui.

Não há como deixar de citar também a reflexiva "Soldier Boys And Jesus Freaks", com sua sonoridade deliciosamente sessentista (algo bastante notável em todo o play, por sinal), a ótima e predominantemente acústica "(I Wanna Live In  Dream In My) Record Machine", e a quase dançante "AKA...What A Life!", que é a que mais se aproxima de algo 'diferente' no track-list. O encerramento fica por conta das não menos boas "(Stranded On) The Wrong Beach' e "Stop The Clocks".

Em meio a sua aura mais refinida do que a encontrada no disco de estreia do Beady Eye (banda dos outros ex-Oasis, incluindo Liam), que apresenta algo mais urgente e direto, Noel Gallagher's High Flying Birds é com certeza um dos melhores álbuns de 2011, e desde já candidato a clássico.

Nota: 10

Matheus Henrique

Alice Cooper - Welcome 2 My Nightmare (2011)

Tentar dar sequência a um álbum conceitual é uma ideia sempre arriscada, haja visto o fracasso de algumas aventuras do tipo nos últimos tempos (Queensrÿche, Helloween). Mas Alice Cooper preferiu correr esse risco, e lançou em 2011 Welcome 2 My Nightmare, que revisita/reinventa a história iniciada em 1975, no primeiro disco solo do cantor (Welcome To My Nightmare, obviamente), contando novamente com o renomado produtor Bob Erzin. E o resultado, de certa forma, surpreende.

Para começar, não se trata de um álbum de hard rock em sua essência, o que provavelmente desagradará os mais puristas entre os fãs do estilo. Mas para quem for mais aberto a outros tipos de sons, isso pode não ser um grande problema. A abertura com as boas "I Am Made Of You" e "Caffeine" (apesar de uns efeitos, digamos assim, 'modernosos' demais no final dessa última) introduz o ouvinte a atmosfera que se encontrará no restante do track-list, que contém alguns destaques bastante notáveis.

"A Runaway Train" e "Last Man On Earth" são um tanto estranhas ao universo de Cooper, mas conseguem soar agradáveis. Vale citar também a balada "Something To Remember Me By", com um refrão que gruda na cabeça facilmente, a mais sombria "When Hell Comes Home", com a melhor linha de baixo presente no CD, a interessante "The Congregation", com passagens guitarrísticas marcantes, e as ótimas "I'll Bite Your Face Off" e "I Gota Get Outta Here", que são as únicas a lembrar a fase setentista do cantor.

Infelizmente, outras faixas acabam prejudicando vertiginosamente a qualidade do repertório. "Disco Bloodbath Boogie Fever" chega a beirar o ridículo, com direito a backing vocals cosntrangedores e uma bateria eletrônica/programada das mais vagabundas. Isso sem falar na não menos patética "Ghouls Gone Wild", que parece ter saído de algum musical adolescente mabembe. Temos também a hard-farofa "What Baby Wants", contendo a polêmica participação da cantora pop Ke$ha, que felizmente não compromete muito, apesar da música estar longe de ser algo que chame muito a atenção.

Claro que muitos torcerão o nariz para o registro, que realmente não chega a merecer o status de clássico como outros da discografia de Cooper. Mas Welcome 2 My Nightmare é um álbum, no final das contas, digno e competente, apesar de algumas escorregadas que poderiam ser evitadas. Vale o investimento.

Nota: 7

Matheus Henrique

Wilco - The Whole Love (2011)

Tem certas bandas que sempre despertam expectativas (positivas) quando estão prestes a lançar um novo trabalho, seja pela qualidade sempre elevada de seus resgistros anteriores, ou apenas pelo nome já consolidado há tempos na cena musical. E poucas delas são tão representativas desse fato (ao menos no meio 'indie') quanto os norte-americanos do Wilco nos últimos anos.

Liderados pelo guitarrista/violonista/compositor/vocalista Jeff Tweedy, o grupo foi provavelmente o principal expoente do alternative country do final da década de 90, e desde então vêm crescendo cada vez mais no quesito popularidade, graças á ótimos álbuns como Yankee Hotel Foxtrot (2002) e Sky Blue Sky (2007), que apresentavam uma sonoridade única e totalmente atemporal.

Eis que em 2011, chegamos a The Whole Love. Liberado na rede pouco antes de chegar realmente ás lojas, deixou mais uma vez os fãs esperançosos em busca de mais uma 'obra-prima', além de um sopro de recuparação após o auto-intitulado de 2009, que apesar de competente, chegou a desapontar um pouco. A verdade é que a banda deixou a todos de certa forma 'mal-acostumados', e é sempre esperado que eles apareçam com algo um tanto inovador. E o registro em questão pode muito bem saciar os mais fanáticos.

"Art Of Almost" abre o track-list com seus poucos mais de 7 minutos de duração, em meio a um certo experimentalismo que chega a remeter um pouco ao já citado Yankee Hotel Foxtrot, e sua longa faixa de abertura "I Am Trying To Break Your Heart". E a seguir, o que temos é um punhado de boas canções, desde as belas "Black Moon", "Born Alone" e "Sunloathe", até as mais 'agitadinhas' (ao menos em comparação as outras) "I Might" e "Dawned On Me", essa última sem dúvidas o grande destaque por aqui, ao lado da não menos ótima e cativante "Open Mind".

Há também as agradáveis "Capitol City", "Standig O" (outra em que as experimentações são notadas) e "Rising Red Lung", a interessante faixa-título, e "One Sunday Morning (Song For Jane Smiley's Boyfrend)", que em seus mais de 12 minutos fecha o álbum de uma maneira relaxante e reflexiva, em meio a uma atmosfera deliciosamente 'Dylanesca'.

Talvez não seja algo totalmente novo como sempre esperam, e muito menos o melhor disco da banda. Mas The Whole Love é coeso, repleto de grandes momentos, e não será surpresa se aparecer nas principais listas de melhores do ano. Eles com certeza não decepcionaram.

Nota: 8,5

Matheus Henrique

Lou Reed & Metallica - Lulu (2011)

Fruto da inusitada parceria entre Lou Reed e o Metallica, Lulu chegou ás lojas em setembro desse ano, e desde então vêm dividindo opiniões entre os fãs. Enquanto alguns dizem ser um trabalho interessante e ousado, outros (a grande maioria) criticaram impiedosamente o trabalho. Mas afinal, o que realmente se pode dizer sobre esse disco? Simples: Lulu é, obviamente, um álbum difícil de ser digerido nas primeiras ouvidas, mas que mais acerta do que erra.

Lou Reed escreveu todas as letras baseadas nas obras do escritor Frank Wedekind "O Espírito Da Terra" (1895) e "A Caixa De Pandora" (1904) para a trilha sonora de uma peça teatral, mas o projeto acabou engavetado. Sendo assim, aproveitou o material não utilizado em questão e entregou para o Metallica musicá-lo. Abrindo o repertório, temos as surpreendentemente boas "Brandenburg Gate" e "The View" (single promocional do CD), que já dão a pista do que será encontrado no resto do track-list: O quarteto fazendo quase que jams entre as canções, com James Hietfield cantando algumas vezes, enquanto Lou praticamente declama os textos (o que acaba sendo o maior obstáculo para digerir o trabalho).

Infelizmente, a fraca "Pumping Blood" acaba esfriando um pouco os ânimos, apesar dos bons retoques orquestrais, e "Mistress Dead", por mais que seja a mais pesada entre todas aqui, não passa de uma faixa razoável. Encerrando a primeira parte (ou primeiro ato, como alguns preferem denominar), "Iced Honey" e a longa "Cheat On Me" dão novo gás ao trabalho, e são provavelmente as melhores do repertório.

Abrindo a segunda parte, temos as interessantes "Frustration" e "Little Dog", com destaque para o violão perfeitamente bem encaixado nessa última. "Dragon" começa fraca, demorando para engrenar, mas aos poucos vai crescendo, ao mesmo tempo que apresenta passagens guitarrísticas bastante incomuns vindas de Hietfield e Hammet, com foco maior nas experimentações com o feedback. Fechando o disco, a enorme "Junior Dad", com seus quase vinte minutos, é agradável, com mais um trabalho de orquestra muito bem sacado, ainda que sua duração elevada dificulte um pouco sua audição.

Para os fãs do Metallica que esperavam um álbum mais próximos do que a banda sempre fez sozinha, realmente o disco pode parecer ruim. Mas para os apreciadores da obra de Reed, que comanda as ações por aqui, e outros que tiverem um gosto mais diversificado, aberto a novas possibilidades, Lulu pode se tornar uma boa surpresa. Por fim, não vá atrás de opiniões alheias mais fanáticas, e tire suas próprias conclusões.

Nota: 7

Matheus Henrique